《漫畫原來要這樣畫》的隨手筆記－天映泠然月

寫自１２０２００４

　　這篇也是為課堂準備的筆記。不過我，還沒把其他筆記寫完，所以大家看到的，會感覺發送時間不怎麼連貫。

　　根據看過這個系列的人所說，《漫畫原來要這樣畫》是《漫畫原來要這樣看》的延伸。第一集最重要，而這是第三集。這樣講，有點令我失望，因為我是想，之後或許還有些用處才選擇這本書的。

　　這本書的主要重點，我認為是敘事的選擇（１０），及其相應的效果。

　　第１４頁中我們能直接看到漫畫（連環畫）所造成的接點劇情，我們的腦子如何在一格畫面與下一格畫面之中做出了「情節」。而本書著重的五項選擇，時點、景框、圖像、文字、流動性，是要告訴讀者：

敘事可以引導，而你做出的選擇會有排他性。

　　１２、１３頁講述不同的「走路」、走路的人的不同「背景」，會在讀者心中造成不同的效果（１４）──變成不同故事。

　　史考特．麥克勞德認為，漫畫是主要用來講故事的工具。所以，總免不了探討什麼東西能在讀者心中發生作用，什麼會造成反作用。漫畫只求兩件事：「希望他們能理解我們說的事。也希望他們能持續關注，直到故事完結。」（８）

　　這之中，「對的」或「錯的」，這種分法沒有意義，我們該問的是：「這樣畫是否能說出你想說的故事，這樣的設計是否讓你的作品成為足夠有趣、吸引人的漫畫？」

　　進入非常技術性、實際的「時點」、「景框」、「圖像」、「文字」、「流動性」考量之前，更模糊而更核心的思考重點有三項：明確性、說服力，以及強度。比如，４８至４９頁，同一個故事、同一套構圖，但以不同強度／誇飾手法做出三個版本的漫畫。

　　創作時，我們必須做出取捨：為了清楚表達你的故事，是不是該降低漫畫美學的視覺效果？沒有人能告訴你正確答案，５２頁時史考特直接說，明確性與強度間的平衡十分難以掌握。就算你問其他人，他們也只能以自己的經驗和你對話，不盡然會適用你的故事。

　　所以史考特在５３頁時，回歸到一開始的重點：讓人理解，然後讓人目不轉睛。時點、景框、圖像、文字和流動性（１０），都是明確性的構成要點，然而為了抓住人們的視線，你必須掌握漫畫誇飾的強度，以及你的故事本身。

　　之後本書內容是要討論，故事在漫畫敘事之中必須注意哪些因素。也就是漫畫敘事原則，及其實踐方法。

　　漫畫／連環畫作為一個發展百年歷史的傳意媒體，已經有許多不成文的畫法規定，比如西方的左到又閱讀或東方的右至左景框安排，但這點東西只要習慣就好，有些美學上的符號卻是，沒有人解釋就會難以理解。

　　漫畫可以十分寫實，可是，當漫畫家將寫實等級拉到接近象徵的意義化（通常不會拉太近意義，因為那部分還有文字負責），創作者就必須考慮：你和讀者是否都能理解這些象徵？（９６）

　　創造出真實感也非常重要（２３），而也有些人會認為，傳遞基本的訊息就夠了（２９）。所以當我們在畫漫畫時──在製作人類所看的人的故事（６０）時──我們也必須注意作為故事核心的人物設計。

　　角色故事在漫畫敘事中有三個重點（６３）：內在生命（立體角色設計）、視覺特徵（視覺人設）、表達特質（專屬的言論或行為）。這些在文學／小說裡也可以通用。在實際的技巧上，也可以分成三種：角色設計、臉部表情，和肢體語言。

　　漫畫發展這麼久，自然也會取經於傳統的繪畫。９０至９３頁講述表情的基本生理原理該怎樣在漫畫中重現。１１４頁裡講到，為了研究肢體語言和「寫實」的人像繪畫，就得直接參考人體解剖學，不過肢體語言也很可能是全世界通用的符號（１０４），所以最後仍是自己親自去研究才行。

　　現在我們有了主要角色，有了場景景框，就要討論下文字在漫畫敘事中用法。

　　漫畫作為視覺藝術，要傳達聲音時就得使用文字（９９、１４６－１４７），不過文字在漫畫敘事中，並不只有音效。應該說，主要有七種用法（１３０）。

　　以腳本畫漫畫，是以文字作為基礎創作漫畫，必須選擇出視覺的故事敘事。也就會回到一開始的敘述方法特色，具有排他性。（１３２、１３３）這樣，圖像所說的故事，會給文字更進一步的脈絡。

　　１１６至１１９頁的例子就相當詳細。劇本本身看不見任何人物的表情、動作、位置，就算那個篇章是要解釋人設在故事裡的作用，仍能看見圖文之間的設計重點。不過，也不是說漫畫這媒體的傳統美學之中，文字可以隨意使用，１４０、１４１頁，史考特提供了幾個問題，來反思文字的使用是否妥當。

　　有了人物，有了景框，有了文字，基本所有的漫畫要素都有了，但如果背景隨便畫，讀者可以知道故事在何處發生，和身歷其境的作品有著決定性的區別。（１５９）

　　換句話說，前一段所說的視覺藝術以及用視覺來彌補聽覺，而你若要和其他娛樂競爭，肯定也必須招喚出其他感官知覺。就得掌握１６１至１６３頁的技巧：出血、細節寫實、無文字泡泡、偏離中心（開啟主角以外的空間，前面章節也有談到）、遠景深（進一步展開其他空間）。

　　比如，出血與無景框設計和透視法深度，讓人忘記紙張大小。（１６５）

　　而其他感官，可以使用人們常見、常識中已知的事物，或取材材料，來增加與讀者之間的共鳴（１７６），當然，別忘記要在法律和道德上也可以過關喔。不同程度的細節描繪，會影響漫畫的說服力（１７７），更多研究，自然有更多成果。

　　至於一些類型裡頭，背景世界也有不同要求。科幻、奇幻類型漫畫，得在背景設計細節花費更多力氣；尋常的都會故事，更聚焦於角色情感（１６８）。當然，有些漫畫連背景都沒有，只有幾筆畫，表現出一點氛圍，對那些作品來說如此便足夠了。

　　技巧上，史考特給的意見是：背景世界的畫法前後一致，讓故事夠有趣就好了。（１７１）此外，視線大多會追著線條移動，在使用透視法或透視法的變形時，也該注意這一點。（１７２）

工具、技巧與科技

　　嗯，就是漫畫繪畫宅宅／愛好者會知道的東西。

　　我認為，自己試錯、探索，應該會比較有用。這本書就提及大致方向，因為主要重點是漫畫敘事的基礎功夫。

　　重點有幾個（１９１）：筆的特性在漫畫繪畫時，必須注意線寬、變化性、特殊性質。筆大致上有三種（１９４）：軟毛筆的老練、鋼尖筆的枯澀尖銳與易碎感、定寬筆（針筆或麥克筆之類）的冷淡感以及配合網點與交叉陰影時有的暖活感。大多是會三者兼用，也可以只用鉛筆從頭畫到尾。你高興就好。

　　數位工具有試錯優勢以及更複雜處理的可能性，普遍來說，高端的數為工具會比較貴，也不如手畫工具經過百年精煉、趨近完美（２０５）。

個人定位

　　簡單來說，這章就是你必須發掘自己的風格，去研究那些流派到底在幹嘛，然後，走出自己的道路──這類的老生常談。

　　三篇隨筆的第一篇，講數日系漫畫特色（２１６、２１７）。簡單來說，日漫與歐美產生差異的最大關鍵是觀眾參與（２１９）。我個人認為，除了非常重視讀者的日常生活經驗以外，也包括了同人文化的重要性，但史考特沒篇幅討論同人的複雜性。

　　另一個關鍵就是，日漫對於情感表達的重視，以及動作描繪的刺激感與流動感。（２２０、２２１）不論如何，這兩點都是為了觀眾的代入感（爽感）而設計。

　　第二篇是漫畫流派。

　　流派就像研究典範，或文學的類型與次類型。（２２５）但就算要追隨他人，也得選擇特定典範，因為一個人不會只留在一個典範裡，自然，你幾乎也不不可能永遠遵循單一流派。（２２６）

　　第三是漫畫文化。講述四種不同的漫畫創作動機（２３２）以及各個動機的特色、互動關係（２３７），如傳統革命與藝術生命相對（２３３），哪幾點相對相衝（２３４）以及動機的移動的可能性（２３５）。

　　我之後會課堂上掃幾頁，但你想看，就自己買吧。讀冊的貨會比較便宜，相當推。

　　
漫畫作為職業

　　嗯，就是漫畫作為職業（２４９－２５１）。我已經不想寫啦。想看，就取買啊！